GN81

Puro Vicio!!! no la loopeen en exceso

2006-09-20T21:18:00.000+02:00

Mocky con Feist - Fightin' Away The Tears

2006-07-15T09:09:00.000+02:00

Un video para el despertar. (anhelo el otoño...qué calor estos días)

Zoot Woman - Living In A Magazine

2006-07-07T21:55:00.000+02:00

Un temazo que me encanta y comparto con vosotros.

Saul Bass

2006-07-03T23:49:00.000+02:00

Saul Bass (8 Mayo, 1920 - 25 Abril, 1996) fue un reconocido diseñador gráfico estadounidense, mejor conocido por su trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las identidades corporativas más importantes de Estados Unidos.

Saul Bass nació en el Bronx, en 1920. Desde pequeño fue muy creativo y pasaba muchas horas del día horas dibujando . Bass estudio en el estudio de Artes League en New York y después en el Colegio de Brooklyn, cuyo maestro era Gyorgy Kepes, un diseñador gráfico húngaro quien había trabajado con Laszlo Moholy-Nagy en Berlín antes de emigrar a los Estados Unidos. Kepes fue el que introdujo a Saul Bass al estilo Bauhaus de Moholy y al Constructivismo ruso.

Continúa en nuestra estimadísima Wikipedia...

Créditos de Saul Bass.

Weezer - Buddy Holly

2006-06-28T22:47:00.000+02:00

Gran trabajo de Spike Jonze, a incluir en esas listas que circulan de "los mejores videos de todos los tiempos."

Ian Hundley

2006-06-28T21:33:00.000+02:00

Ver video

Ian Hundley es un artista con sede en Brooklyn y adapta mapas a edredones, hasta aquí puede parecer sorprendente su propósito, pero aún lo es más el proceso y el resultado final. Me chiflan estas cosas!.

Eboy

2006-06-22T22:59:00.000+02:00

Os invito a quienes no conozcáis su trabajo a pasaros por el blog de Eboy. Conocí de él hace unos años, cuando la fiebre del píxel, a través de la revista Creative. Eboy es un demiurgo de esta esencia de la imagen digital y sus posibilidades. Vaya, últimamente ando rescatando referentes. Puede que a este tipo le dijeran aquello de "dedícate a lo que quieras, pero sé el mejor en ello" y se lo tomó muy en serio, porque desde luego no cesa en su empeño. Puedes comprar sus magníficos posters de ciudades pixeladas por unos 20 eurakens (y me parece incluso demasiado barato...). Ahh! el poster que sostiene es de la ciudad de Nueva York.

Royksopp - Remind Me

2006-06-22T07:39:00.000+02:00

Un video ya viejete pero que no pierde para nada su atractivo. Me recuerda aquellas infografías que podemos encontrar en libros de texto de "pubers".

Visto en...

Alva Noto

2006-06-21T19:44:00.000+02:00

"Alguien dijo que la música más bella del mundo tenía que ser triste, y la fotografía más bella, en blanco y negro. No sé acerca de la fotografía, pero concuerdo sobre la música. Carsten Nicolai (alias Alva Noto) y Ryuichi Sakamoto, seguramente, también." Lee más en...

Pásate por el sitio de Alva Noto y deléitate en la sección de videos. (Recomiendo Trioon)

Tipos en la ciudad

2006-06-21T19:27:00.000+02:00

Ver video

Gary Taxali

2006-06-21T19:19:00.000+02:00

Fantásticas ilustraciones de Gary Taxali. No os lo perdáis ;)

Dabrye

2006-06-21T18:44:00.000+02:00

Sacando del baúl de los recuerdos...Dabrye controla la gramática electrónica,
por eso pone banda sonora a mi vida, y más cuando hay trabajo por hacer.

Dabrye - Hyped-Up Plus Tax (del álbum One/Tree)

El pueblo se prepara

2006-05-27T10:13:00.000+02:00

Como cada año mi querido pueblo se prepara para la llegada del Fib (acuérdense que en esta edición las fechas se adelantan). El Fib es como...bueno, es algo parecido a esto :P

(Cruzo los dedos para tener vacaciones..)

A Volar

2006-05-26T20:56:00.000+02:00

Un regalito para los seguidores de este blog. Es sorpresa por eso no pongo imagen. :P

Vía Lekplats

Me declaro adicto a HOUSE

2006-05-24T23:49:00.000+02:00

Salidas de emergencia

2006-05-18T07:43:00.000+02:00

www.odeonia.es

Recomendaciones

2006-05-04T18:55:00.000+02:00

Apparat
Berlín - Montreal - Tel Aviv

Podrás ver a Apparat en la próxima edición del Primavera Sound presentando disco junto a Ellen Allien.

Escúchalos | Recomendación de Marco desde Berlín

Nullsleep
Depeche Mode Megamix

Podrás ver a Nullsleep este domingo 7 a las 21h en la Sala Sidecar de Barcelona.

Escúchalo | Vía Le Cool

Art School Confidential

2006-04-28T21:57:00.000+02:00

Sitio Oficial de Art School Confidential
...que ganitas tengo ya de verla!!!
Vía la currante Petite Claudine

Dibujando en Excel

2006-04-27T19:53:00.000+02:00

Dibujos en Excel por Danielle Aubert

Werner Jeker

2006-04-24T22:59:00.000+02:00

Werner Jeker vive en Lausanne y su trabajo destila ese "rigor helvético" racional y sutil. Jeker se formó en la pretigiosa Escuela de Zurich antes de dirigir de 1974 a 1986 el Departamento de Artes Gráficas de la Escuela de Bellas Artes de Lausanne (antepasada de la ECAL). Fundó Les Ateliers du Nord en 1984, con los diseñadores industriales Claude Frossard y Antoine Cahen. Los trabajos más destacados de Jeker han sido la identidad visual de la ciudad de Ginebra y la señalización del metro de Laussane, entre otros proyectos.

The Third Annual Design Legends Gala

2006-04-23T21:54:00.001+02:00

Lástima, no podré acudir...

Quitando cachondeo, sirva la ocasión para apuntar que en este blog intento "colgar" todo lo que al mundo del diseño gráfico haga referencia o esté en vibrante conexión. Por eso aunque para la inmensa mayoría no esté en nuestras manos, os invito a soñar, que de vez en cuando no viene mal, pero no abusen.

AIGA celebra el 25 de Octubre de este año 2006 The Third Annual Design Legends Gala, en Chelsea Piers, New York City. Para los interesados, la recepción será de 6:30–7:30 p.m. y la cena de 7:30–10:30 p.m. Se ruega ir con corbata y de negro, sobretodo para quienes vayan a recibir el Corporate Leadership Award y el Winterhouse Awards for Design Writing and Criticism. Si prefieres sentarte en una mesa rodeado de influencias paga 10,000 $ y si sólo puedes pagarte una silla prepara 350 $, que un día es un día.

Los agraciados son:

· Michael Bierut, Pentagram Design, New York.
· Rick Valicenti, Thirst/3ST, Chicago.
· Lorraine Wild, Green Dragon Office, Los Angeles.

Sobre la medallas de AIGA cabe comentar que se conceden por distinción, a individuos en reconocimiento a sus logros excepcionales, servicios u otras contribuciones al campo de diseño gráfico y la comunicación visual. La contribución del agraciado puede estar en la práctica del diseño gráfico, la enseñanza, la escritura y ser directivo, vamos. Los premios pueden honrar a diseñadores póstumamente.

Se han concedido medallas desde 1920 a los individuos que han demostrado normas de excelencia sobre una vida de trabajo o han hecho contribuciones individuales a la innovación dentro de la práctica de diseño.

Los individuos pueden trabajar en cualquier país, pero para recibir el honor deben haber tenido un impacto significativo sobre la práctica del diseño gráfico en los Estados Unidos.

Los retos del New York Magazine

2006-04-23T13:36:00.000+02:00

Una propuesta semanal para High Priority, en New York Magazine

Cada semana los redactores del New York Magazine seleccionan 5 actividades a las que "no se puede fallar". El director de diseño de la revista, Luke Hayman y el director de arte Chris Dixon, seleccionan a un diseñador para idear la sección High Priority de la semana. Una ilustración tipográfica de 4.4 pulgadas de alto por 6.875 pulgadas de ancho, deberá atender estas 5 actividades seleccionadas. Sólo pueden contener el texto de las actividades y el texto High Priority, además de sólo poderse utilizar los colores negro y rojo. El diseñador consigue el texto la tarde del jueves, proporciona un bosquejo la tarde del viernes, y el material gráfico ha de estar terminado el domingo a última hora como máximo. Un reto en el que ya han participado nombres como: Pierre Bernard, Laurie Rosenwald, Allen Hori, Neville Brody, Marion Deuchars, Fernando Gutiérrez, Barbara deWilde, Vince Frost, Julian Morey, Jonathan Hoefler, Ellen Lupton, Martin Venezky, Alexander Gelman, Bob Gill, Milton Glaser, Barbara Glauber, Chip Kidd, Todd St. John...Este reto muestra cada semana a los lectores una manera diferente de anunciar las actividades de High Priority.

Ver propuestas

Jock Kinneir y Margaret Calvert

2006-04-23T11:22:00.000+02:00

Cubierta de ICI magazine Plastics Today, 1965.
La nueva señalización de Jock Kinneir y Margaret Calvert
fascinó a los diseñadores británicos.

En 1960, el diseñador gráfico Herbert Spencer se decidió a ilustrar la caótica situación de la señalización víal en Londres. Spencer fotografió las señales que encontró en su camino por casualidad y publicó los resultados en dos ensayos fotográficos en la revista Typographica, en 1961. Estos ensayos demostraron el mal diseño, con colores y tipos de imprenta distintos sin coherencia alguna. Fue entonces cuando los conductores manifestaron la necesidad urgente de diseñar un nuevo sistema, fácilmente legible y coherente. El gobierno británico confió este trabajo al reconocido, por aquel momento, diseñador gráfico Jock Kinneir y su ayudante Margarita Calvert. Ambos inventaron un sistema señalético riguroso, de una cuidada coordinación tipográfica, colores, formas y símbolos para las nuevas autopistas británicas a finales de 1950, y para similares aplicaciones a mediados del año 1960. Eficiente y elegante, su sistema fue uno de los proyectos de diseño de la información más ambiciosos jamás emprendidos en Gran Bretaña. Se convirtió en todo un modelo a imitar y seguir para la señalética moderna en otros países y hoy todavía permanece vigente.

Hifana

2006-04-20T17:22:00.000+02:00

Podremos ver a Hifana en esta próxima edición del festival Sonar. Hifana son KEIZO machine y Juicy, y su reputación está creciendo poco a poco fuera de Japón.

Aquí tenéis un video realizado por la agencia londinense LOVE para el tema Wamono. Las olas que aparecen en el video me recuerdan bastante al grabado de Hokusai, La gran ola de Kanagawa. (...es que me recreo en los detalles ;)

Ladytron

2006-04-18T22:30:00.000+02:00

El joven cuarteto afincado en Liverpool se dio a conocer con el notable 604 (01), un refrescante disco de electropop relleno de sintetizadores del que destacaba claramente "Playgirl". Su continuación Light & Magic (02) les abrió a un mayor público y les permitió participar en festivales como el Sonar 2003 y hacer sesiones de DJ en clubes de todo el mundo.

Otro aspecto ineludible de Ladytron era su imagen: peinados cuidados al milímetro y uniformes de academia militar les daban un aspecto frío y asexuado. Quizás un poco hartos de que les comparen constantemente con Kraftwerk, la primera medida de cara a su nuevo trabajo ha sido cambiar de look y deshacerse de sus uniformes.

Pero no sólo de imagen viven Ladytron, y en el aspecto musical se intuía también un nuevo sonido, orientado en parte hacia el rock. En sus últimas giras por América y China ya presentaban una formación que, además de los omnipresentes sintetizadores, incluía también bajo, guitarra y batería. Si a eso le añadimos su reciente teloneo a Franz Ferdinand en Edimburgo, parece evidente que Helen Marnie y compañía quieren reivindicar sus influencias de rock y pop, sin por ello renunciar a la electrónica que vienen defendiendo desde su creación.

Witching Hour ha sido producido por Jim Abiss (Björk, Placebo, DJ Shadow), y es el primer trabajo del grupo tras su fichaje por la discográfica Island. La apertura de guitarra y batería en la frenética "High Rise" deja bien claras las intenciones de este disco. "Destroy Everything You Touch", su single más reciente, es una canción potente y pegadiza, mientras "International Dateline" y "Last One Standing" nos devuelven la onda más pop de sus primeros trabajos.

La tarjeta de presentación del disco fue "Sugar", un auténtico torbellino de guitarras y probablemente el tema más cañero que han escrito Ladytron hasta la fecha. La densa y etérea "Soft Power" sirve de punto de inflexión del álbum, para que luego canciones como "Weekend" y "White Light Generator" profundicen en esa especie de pop-rock electrónico del que hace gala este trabajo.

Como indica la portada, las chicas del grupo son una vez más las protagonistas. La búlgara Mira Aroyo imprime un toque severo poniendo la voz a "AMTV" y "Fighting In Built Up Areas", esta última cantada una vez más en su idioma natal. Por su parte la bella Helen Marnie, esa especie de sirena de los mares electrónicos, lleva el hilo conductor en todo el disco, y su voz suena más dulce que nunca en las baladas "Beauty 2" y la preciosa "All The Way", que cierra el álbum.

Ignoramos si este Witching Tour será el trampolín definitivo que lance a Ladytron al estrellato, pero lo cierto es que con un trabajo sólido y sin altibajos como este se lo merecen. Sin duda un paso adelante en su aún corta carrera musical. Tras su visita el pasado verano con motivo de los festivales FIB y Creamfields, esperamos impacientemente que su nueva gira recale también en nuestro país.

Extraído de Muzikalia

Colour Lovers

2006-04-17T01:32:00.000+02:00

En Colour Lovers puedes mostrar y compartir tus colores y paletas preferidos, incluso votar por los mejores y conocer a cientos de amantes del color como tú. Genial ;)

Visual Complexity

2006-04-17T01:18:00.000+02:00

Multitud de representaciones visuales de redes complejas en el proyecto Visual Complexity.

Soberbio

2006-04-16T19:23:00.000+02:00

Soberbio, es la palabra que mejor puede definir el trabajo de Christina Rosenvinge para su Continental 62. Una luz de exquisitez y elegancia, sutilezas varias que bien pueden verse reflejadas desde su disco hasta su web. Gran videoclip de Luis Cerveró para el tema A Liar To Love. Me quito el sombrero.

Jesus and Mary Chain

2006-04-10T20:42:00.000+02:00

Sí, yo también estoy in love con Lost In Translation. Lo lamento por los detractores del film. Ahh, y sé que redirecciono demasiado, cierto, desde ahora intentaré colgar con menos asiduidad, dedicando más tiempo a poner unos pedacitos más de mi parte. ¿Estoy moñón ultimamente verdad? estos post..:P

A comienzos de los años 80 y en la localidad escocesa de East Kilbride surgieron los Jesus and Mary Chain, grupo liderado por los hermanos Jim y William Reid que se convirtió en el modelo básico del noise-pop, sonido de bandas que, dentro del rock independiente, con influencia, en el caso de estos británicos, de la Velvet Underground o de los Stooges, y con un sentido lisérgico, amateur y abrasivo de la composición, respetando en su esencia los patrones clásicos de la escritura pop y con un sentido melódico más que apreciable, ensuciaban deliberadamente su música con toneladas de feedback y distorsión, remedando, pero con ruidismo, los muros de Phil Spector.

En 1984, el cantante y guitarrista Jim Reid, que trabajaba para la Rolls Royce, y el guitarra y vocalista William Reid, ocupado hasta esos momentos en el loable trabajo de empaquetar quesos, decidieron amalgamar, sus diversas influencias, que iban los nombres citados a, entre otros, los Beach Boys, los Sex Pistols, los Cure, T. Rex, Ramones o Joy Division, para formar una banda de rock, que en principio se llamó The Death of Joey (Joey era el hamster de la familia Reid). Para ello buscaron la grata compañía del bajista Douglas Hart y el batería Murray Dalglish. Lo del homenaje al hamster Joey era muy bonito y entrañable pero finalmente William dijo que sería mucho mejor hacerse llamar The Jesus and Mary Chain. Los demás aceptarían la rebautización.

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Motion Graphics de Shynola

2006-04-09T14:40:00.000+02:00

Shynola son:
Gideon Baws, Chris Harding, Richard (Kenny) Kenworthy y Jason Groves.

Visita su website

Morrisey

2006-04-08T21:23:00.000+02:00

Steven Patrick Morrissey, nacido en Manchester (Inglaterra) el 22 de mayo de 1959, es uno de los iconos más enigmáticos de la música británica en las últimas décadas. Bañado por un aura de melancolía, lirismo emocional, imaginería poética y un tañido sardónico, una posición independiente ante las grandes corporaciones, ausente de las modas musicales, una mitómanía melómana (fanático de gente como New York Dolls, Ramones, The Cramps, Sandie Shaw, T. Rex, Serge Gainsbourg o Patti Smith) y cinéfila (siendo James Dean su actor favorito) percibida en sus actividades artísticas, una ambiguedad en su condición sexual y una genialidad en su afectada expresión vocal, Morrissey lideró junto al guitarrista Johnny Marr uno de los grupos definitivos de los años 80, The Smiths, antes de dar inicio a una meritoria carrera en solitario.

Morrissey es hijo del conserje de un hospital y de una bibliotecaria. De niñez fue un niño tímido y solitario, apasionado por la música, el cine y la lectura. En su adolescencia se convirtió en un gran seguidor de los New York Dolls, siendo el presidente de su club de fans en el Reino Unido. En cuanto a sus escritores favoritos, Morrissey era un ávido lector, con predilección por gente como Oscar Wilde o John Keats, haciendo también sus pinitos como escritor, habiendo publicado un libro sobre los New York Dolls y sobre James Dean, a la vez que escribía asiduamente cartas a la revista Melody Maker. Morrissey decidió iniciar una carrera como cantante a comienzos de los años 80, intentando sin éxito formar parte del combo punk Slaughter & The Dogs y cantando con los Nosebleeds.

En 1982 conoció a Johnny Marr, dúo que incorporaría al bajista Andy Rourke y el batería Mike Joyce para formar The Smiths, grupo que se convirtió en la gran sensación independiente de Gran Bretaña, siendo inmensa su influencia en bandas y solistas británicos aparecidos posteriores a su nacimiento.

Cuando creó los Smiths Morrissey decidió que jamás se volvería a hacer llamar Steven Patrick. Deseaba cambiar de forma de ser, olvidarse de su retraída infancia y cambiar su comportamiento y forma existencial. Para ello y como símbolo de un nuevo comienzo y su nueva personalidad se despojó de su nombres de pila y se hizo llamar simplemente por su apellido.

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Joy Division - Love Will Tear Us Apart

2006-04-07T23:53:00.000+02:00

...cuando la Razz nos hace un regalito suele sonar...

Muy Pronto...

2006-04-06T19:27:00.000+02:00

OFFF 2006

Philip Glass

2006-04-04T19:41:00.002+02:00

Soy mitómano he de reconocerlo, si es que no era ya evidente. Philip Glass es, aún en una disciplina bien distinta, todo un referente. Lo considero uno de los grandes genios de este siglo. Pocos personajes mantienen en mí un grado de emoción constante con el paso de los años y él es uno de ellos. No podía faltar en este blog.

Aquí dejo un artículo sobre él para introducir a los inquietos.

Reconocido por audiencias pop, operísticas, teatrales... Sin llegar a los experimentalismos a veces poco funcionales de coetáneos como John Cage, Stockhausen o Steve Reich, Philip Glass ha sabido unir vanguardia, experimentación, originalidad y sentimiento para darle forma concreta a sus ideas. Nacido en Baltimore, Maryland el 31 de enero de 1937. Empezó a estudiar música a los seis años, a los 15 ya se había cansado de las limitaciones de instrumentos como la flauta. A los 19 años se graduó en matemáticas y filosofía por la universidad de Chicago, cansado de las clásicas técnicas de 12 notas usadas comúnmente en la música occidental se muda a Nueva York donde estudia música con Vincent Persichetti, Darius Milhaud and William Bergsma, sin encontrar todavía una voz propia se traslada a París donde estudia con Nadia Boulanger, allí tendrá lugar uno de los acontecimientos que marcaría el desarrollo de su propio estilo, se le encargó que transcribiera la música de Ravi Shankar a una notación entendible por músicos occidentales, maravillado por la técnica de la música india viaja por el norte de África, la propia India y los Himalayas para volver a Nueva York con una nueva visión de la composición musical. En esta época (finales de los 60 principios de los 70) forma "The Philip Glass Ensemble" con los que compone y actúa en diversos clubes de la ciudad compaginando su labor como compositor y músico con empleos como taxista o deshollinador. En 1976 junto con Robert Wilson crea "Einstein on the beach" la obra de teatro que le traerá reconocimiento mundial. Más tarde a principios de los ochenta discos como "Glassworks", "Solo Piano" o "Songs from Liquid Days" le acercaran a un público "mainstream" apareciendo en programas televisivos como "Saturday Nigth live" y siendo enmarcado por los medios dentro de la corriente new age (por desconocimiento de su obra y por tratar de encasillarlo en algún registro).

Lee más en...

(Aunque no sea de lo más representativo de su obra, o recomiendo la pieza Morning Passages)

Últimas adquisiciones

2006-04-02T14:49:00.000+02:00

Bueno, gran compra por lo que ya he estado viendo. Se trata de la colección BASES DEL DISEÑO de editorial Parramón, como apunta en la cubierta, la colección "explora las posibilidades creativas de los principales conceptos del diseño gráfico, a través de una completa galería de ejemplos, agrupados por temas. Los innovadores trabajos que se presentan, creados por grandes profesionales contemporáneos, se acompañan de explicaciones técnicas, esquemas y consejos que permiten al lector comprender y asimilar el proceso realizado".

De ésta colección que consta de cinco títulos: Formato, Layout, Tipografía, Color e Imagen. Me he hecho con Imagen y Color. Os lo recomiendo encarecidamente.

www. parramon.com

The Pipettes

2006-03-31T12:32:00.000+02:00

Recetario II

2006-03-31T11:53:00.000+02:00

"Yo, niño perpetuo -que me sacrifiqué por otros, por los que se hallaban lejos o no me veían a mí, que veía. Que les hice ofrendas, les hice llegar (...) ojos, quité la nieve de los caminos para hacérselos practicables- no los salvé. Pronto algunos reconocieron el gesto del que ve en el interior de las cosas y no hicieron más preguntas."

Egon Schiele, pintor.

"Una experiencia positiva, si se repite con frecuencia, puede generar una memoria suficientemente poderosa como para extenderse en el tiempo".

Rupert Sheldrake, científico.

Oscar Mariné

2006-03-31T08:38:00.000+02:00

Mariné a la izquierda, a la derecha Raquel Pelta
(directora de la revista Visual).

Si la mejor tarjeta de presentación de un diseñador gráfico es su firma, la de Oscar Mariné (Madrid, 1951) estuvo en los cines de todo el mundo gracias al cartel de la película "Todo sobre mi madre", Oscar al mejor film en habla no inglesa. En esa "chica Almodóvar" -uno de los signos creados en España mas vistos en el mundo- está también sintetizado el trabajo de un creador que ha llegado a expresar muchas ideas con pocos trazos.

La historia de Oscar Mariné discurre paralelamente a la movida madrileña, un movimiento de agitación urbana que tuvo su momento en los años ochenta. Fue allí donde se fraguó su perfil de diseñador todoterreno al que poco le interesa atarse a definiciones. ¿Tipógrafo? ¿llustrador? ¿Publicitario? ¿Artista? Todo eso y mucho más es Oscar Mariné cuya visión global de la comunicación le ha llevado a implicarse en todos los campos de ésta: música, cine, pintura, diseño... Desde sus inicios como profesional del diseño, esta concepción tan personal alimentó aventuras como la revista contracultural Madrid Me Mata, -de la que fue creador, editor y director de arte-, quizá la publicación más emblemática de aquella ya vieja movida. Su frescura, ironía y provocación despertaron la atención del mismísimo Tibor Kalman -sin duda uno de los diseñadores más impresionantes del siglo XX- quien no dudó en rendir a Oscar tributo de admiración en un cariñoso texto: "Oscar Mariné está listo. Trae su cerebro, experiencia e ideas, pero manda casi siempre (si le dejas) con su corazón". A Madrid Me Mata siguieron otros diseños inolvidables para las personas y personajes que, hoy convertidos en iconos de una época, constituyen el imaginario colectivo de toda una generación: Bruce Springsteen, Psychedelic Furs, Brian Eno, Siniestro Total... Después vendrían muchos más siempre relacionados con la amplitud de sus intereses y miras: trabajos para Absolut Vodka, Hugo Boss, Swatch, Camper, Loewe, etc., clientes nacionales e internacionales y un Marine que distingue perfectamente entre su estilo personal y su trabajo de estudio OMB, -consiguiendo así equilibrar expresión y experimentación para algunos clientes y rigurosa neutralidad para quienes asi lo precisan-, mientras continúa fabricando nuevos iconos para nuevas épocas.

Hacia 1993, Oscar decidió trasladar estilos y experiencias urbanas a Nueva York, donde fue seleccionado para desarrollar como artista original una de las campañas para Absolut Vodka. "Absolut Mariné" sigue siendo una de las mejores creaciones de la marca. Ha podido verse en prestigiosas revistas americanas como Times, Art in América, Vibe, Metrópolis, Artforum o Communication Arts y ahora forma parte de una colección donde no faltan nombres tan vitales para la historia del arte del siglo XX como los de Keith Haring o Andy Warbol. Del medio neoyorquino procede también su colaboración artística con el poeta del Bowery, John Ciorno [Life is a Kill, Without Incident] en una serie de imágenes y textos que dieron legar a un singular ciclo expositivo y que están en línea de continuidad con las incursiones que Mariné viene realizando desde hace años en el mundo de la pintura como consecuencia de una manera de entender la vida: arte, cultura y creatividad son territorios entre los que no existen limites. Una idiosincrasia que se traduce en una obra pensada para que funcione igual en una galería de arte que en un video o un cartel de la calle.

Preocupado por el ser humano en todas sus dimensiones, Mariné ha retratado siempre personajes urbanos y cosmopolitas que tienen la voluntad de ser universales. Se vale de representaciones esenciales para las que ha sido necesario un proceso de simplificación. El resultado son retratos de nadie, de ninguna persona individual que, por eso mismo, se parecen a todos los espectadores y conectan a la perfección con ellos. Su serie "Wanted", sin embargo, -surgida de la interacción con Alex de la Iglesia en un proceso que iba hacia el diseño del cartel para la película "800 balas" y ha terminado además como suele sucederle a Oscar] en el mundo del arte [¿arte? ¿diseño? ¡fuera clasificaciones!]-, abandona el clima urbano y se traslada al territorio de los mitos, a un mundo vivido y soñado a través del cine, a la pasión por el western y a los recuerdos de infancia. "Wanted", casi cincuenta cuadros de gran formato que fácilmente podrían insertarse en la vieja tradición de las carteleras que tanto contribuyeron a enaltecer el Far West en cines llenos de jóvenes que salían los domingos a buscar mundos lejanos repletos de lealtad y emoción; esa emoción que Oscar siempre ha buscado tanto con su diseño como con su obra artística. "less form, more spirit", "menos forma, más espíritu", una frase de Robert Frank y una de las citas favoritas de Mariné que resume a la perfección sus intenciones. Retratos urbanos, mitos.... construidos siempre mediante una técnica en la que la pincelada transmite fuerza y libertad. Entronca así Mariné con la tradición expresiva española de un Goya -aunque sin la negrura de éste- o, aunque en otra dirección, con la importancia del gesto en Saura o Tapies. Pero también conecta con la mejor línea del expresionismo alemán de Nolde, Kirehner, Heekel, Stenner o del ruso Jawlensky. Como el de ellos, el trabajo de Mariné está lleno de simbolismo y de ímpetu idealista pero ha eliminado la angustia y se ha quedado con la riqueza de la línea -recta, angulosa, sucinta, en cortes agitados que hacen vibrar las superticies - y del color, aplicado a menudo de manera absoluta, directa, jugando, a veces, con los contrastes polares entre las superficies de color y el fondo blanco del papel o del lienzo.

La trayectoria de Oscar Mariné goza de varios prestigiosos reconocimientos como los Hispanic Creative Awards de 1995 y 1997 o los Premios AEPD del 97, 98 y 2000. Durante el pasado año, el American Institute of Graphic Arts de Nueva York [ A.l.G.A.] otorgó al cartel de la película "Todo sobre mi madre" el Certificate of Excellence con el que recorrerá Estados Unidos en una exposición itinerante que se inicia en Nueva York. Este trabajo también recibió el Creativity Awards of Distintion y se pubuleó en el anuario de Creativity. Asimismo, el Art Director's Club de Nueva York le concedió el Merit Award por la imagen de Zinebi 2000.

Oscar Mariné ha participado en numerosas exposiciones colectivas en EEUU y Europa como miembro de la Colección permanente Absolut, que actualmente recorre algunos de los principales museos del mundo. "Signos del Siglo", celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid ( M.N.C.A.R.S) entre marzo y mayo del año 2000. "Pasión Diseño Español", Academie Der Künste, de marzo a abril del 2002. Exposiciones individuales de obra gráfica en el Art Faire de Nueva York, enero de 1998 y la Galería Tiempos Modernos de Madrid, mayo de 1999. Su última muestra "Wanted" que se presentará en la Galería Almirante de Madrid es su primera exposición de pintura.

Revistas como Affiche, Graphis, On, Tempus, Novum o más recientemente Abitare, Design Week y Baseline le han dedicado también páginas especiales. Emisiones televisivas como Metrópolis en TVE o Canal Estilo en Canal Satélite Digital han recogido sendos monográficos.

Extraído de Galería Almirante

Juan Gatti y Almodóvar

2006-03-29T22:12:00.000+02:00

Fotos de Juan Gatti.
1. En su casa de Madrid.
2. Cartel de la película Hable con Ella.

Madrid, 1981. "Cuando llegué por primera vez a España, me encontré con un espíritu parecido al que había en Buenos Aires; veía que estaban haciendo una historia que había visto nacer aquí, con el rock. La diferencia fue que en la Argentina, en general, la gente sabía tocar y en España no… Pero la actitud era la misma. Los españoles fueron incluso más inconscientes: subían a un escenario sin haber agarrado una guitarra en su vida. El argentino con eso es más pudoroso; además, en aquel espacio, el punk estaba creciendo y la actitud de la gente con respecto a la música había cambiado."

Por esos días, Gatti se involucró con un grupo de jóvenes artistas (fotógrafos, músicos, videastas, escritores, directores de cine) y hasta filmó videos para los emergentes Miguel Bosé y Alaska. Allí conoció a un aniñado Almodóvar que estaba a punto de redefinir el concepto pop de la España felipista. "Creo que la unión entre el cine y la gráfica que logramos con Pedro tiene un poco que ver con que tenemos la misma edad, que formamos parte de un mismo movimiento, que sentimos y vemos la vida de una forma parecida… Incluso con el hecho de que los dos seamos solteros", dice y sonríe.

Extraído de la entrevista " Juan Gatti: el artista de Almodóvar"
publicada el 25 de septiembre de 2005 en el periódico argentino La Nación.

Thurman y Lempicka

2006-03-26T19:05:00.000+02:00

Estaba frikeando (para variar), por la web de David Lachapelle y al dirigirme a retratos, encuentro uno realizado a Uma Thurman (mi mito erótico) que directamente me ha recordado a algunos cuadros de Tamara de Lempicka. Encontrar nexos me encanta mmm

Brody, una leyenda

2006-03-19T09:02:00.000+01:00

Neville Brody, diseñador y director de arte Británico, lleva ya más de dos décadas al frente del diseño gráfico.

Inicialmente trabajando en diseños de portadas para discos, Brody se hizo un nombre a través de su trabajo revolucionario como director de arte en la revista The Face. Otras direcciones de revistas internacionales incluyen City Limits, Lei, Per Lui, Actuel and Arena, además del The Observer newspaper and magazine de Londres.

Brody ha empujado continuamente las barreras de la comunicación visual en todos los medios a través de su trabajo experimental y desafiante, y continúa extendiendo los lenguajes visuales que usamos a través de su expresión exploratoria. En 1988 Brody publicó el primero de sus dos monográficos que se convirtió en el libro de diseño más vendido en el mundo. Las ventas combinadas ahora superan las 120,000 copias. Una exhibición de su trabajo en el Victoria and Albert Museum atrajo más de 40,000 visitantes antes de la gira por Europa y Japón.

En 1994, junto con su compañero y socio Fwa Richards, Brody lanzó Research Studios, en Londres. Desde entonces han abierto estudios en Paris, Berlin y con planes de abrir uno en Nueva York. Los clientes acuden desde todos los medios, desde la web hasta la imprenta, y desde diseño de entornos hasta los gráficos en movimiento y títulos de créditos de película.

Una compañía hermana, Research Publishing, produce y publica trabajos multimedia experimentales de artistas jóvenes. El foco primario está en FUSE, la conferencia y foro de renombre para comunicaciones y tipografía experimental. La publicación se acerca a su edición nº 20 durante un periodo de publicación de mas de diez años. Tres conferencias FUSE se han celebrado de momento en Londres, San Francisco y Berlin. Las conferencias juntan a oradores de diseño, arquitectura, sonido, cine y diseño web e interactivo.

(Texto extraído del Festival Offf2005)

Henrik Purienne

2006-03-12T20:19:00.000+01:00

Director de cine y fotógrafo comercial, Purienne vive en CapeTown, Sudáfrica.
Merece la pena perderse en su portafolio, no os dejará indeferentes...
(Sugerencia: entrar directamente en portfolio selection)

Su excelencia, Joshua Davis

2006-03-12T13:47:00.000+01:00

Joshua Davis es un artista digital de Nueva York, produce trabajo tanto público como privado dentro y fuera de la Red. Su site Praystation fue el ganador del 2001 Prix Ars Electrónica Golden Nica en la categoría de “Excelencia en Red”, el premio de más valor internacional en los campos del diseño y arte en la red. Actualmente es profesor en el School of Visual Arts en la ciudad de Nueva York .

"yo soy Pintor, un pintor que cambió lienzos y pinceles por funciones, matrices, bucles, fórmulas. Comencé interesándome por cambiar la apariencia de mi ordenador, luego me interesé por las interfaces y al final me di cuenta que estaba dibujando y pintando con el ordenador. Quien realmente me cambió fue Javascript antes que Flash. Con Javascript puedes dibujar, pintar cosas y hacerlas más dinámicas, y con ello aprendí bastante. Cuando salió Flash I no me interesó mucho, pensé que era una herramienta para animadores, y yo no soy animador. Con Flash 2 y Flash 3 pasó lo mismo, y continué trabajando con Javascript hasta que salió Flash 4 y Flash 5.

Entonces comencé realmente a experimentar con Flash, porque es como Javascript, y pude trasladarme sin ningún problema. Javascript fue un medio, un aprendizaje para llegar luego a Flash. Bueno, y me interesaría trabajar en Java también.... Conozco el proyecto de Casey Reas y Benjamin Fry "Processing" y con toda probabilidad trabajaré en ello próximamente. Aunque para mí la tecnología que uso no es lo más importante, utilizo lo que debo utilizar para obtener lo que necesito para mi trabajo. No soy un hombre-Flash, y quizás salte pronto a Java o a cualquier otro que sirva para mis propósitos."

Lee más aquí.
Visita el proyecto The BMW Z4 Coupé by Joshua Davis
Site de Joshua Davis

El hombre que casi conoció a Michi Panero

2006-03-05T19:27:00.000+01:00

Hombre Confuso, ahí va este video con especial dedicación para tí por todas esas noches de fiesta, comprensión, locura y humor inteligente diluído en alcohol. Brindemos!. Y al resto de público asistente, disfruten el video y ojalá capten el discurso de Vegas. Habrá que colocarlo con los Gran Reserva.

Peter Saville

2006-03-05T17:23:00.001+01:00

No me queda mejor opción para explicar su brutal trabajo que remitiros a ésta dirección web, en la que Raquel Pelta, directora de la revista Visual, nos habla sobre uno de los diseñadores más importantes de los 80.

Si necesitáis más, en Elástico tenéis un artículo de José Luis de Vicente.
100% recomendado.

Belle & Sebastian - Step in to my office

2006-03-04T17:40:00.000+01:00

Gran video que no te puedes perder.

Peter Bilak

2006-03-04T12:02:00.000+01:00

Peter Bilak ha centrado su carrera en el campo del diseño editorial, gráfico, web y de tipografías. Su estudio de diseño en La Haya, se ha especializado en la creación de fuentes por encargo, ofreciendo soluciones tipográficas para la amplia gama de disciplinas creativas. Peter Bilak diseñó varias fuentes para FontShop International, fundó la fundición Typotheque, co-fundó la revista Dot Dot Dot, un magazine que cubre los aspectos relacionados directa e indirectamente con el diseño gráfico. Su trabajo ha sido presentado en revistas como: Abitare, Etapes Graphiques, Graphics International, HOW, I.D., Items, Page, Print, U&lc y varios libros. Además de la práctica de la profesión, Peter Bilak es profesor invitado en la Royal Academy en La Haya y la Art Academy en Arnhem, y con regularidad da conferencias y talleres internacionalmente.

Recetario

2006-02-28T20:50:00.000+01:00

Extraído de Dogma 95 (Von Trier y Vinterberg)

" Hoy en día arrecia una tormenta tecnológica, y el resultado será la democratización del cine. Por primera vez, cualquiera puede hacer una película [...] Pero cuanto más accesible llega a ser el medio, más importante es la vanguardia. "

Extraído de Winograd, T.: From Computing Machinery to Interaction Design en Denning P. y Metcalfe R. (eds): Beyond Calculation: The Next Fifty Years of Computing, Springer- Verlag, 1997, pp. 149-162.

" En los próximos cincuenta años la creciente importancia de diseñar espacios para la comunicación y la interacción humanas ampliará aquellos aspectos del ordenador que están centrados en la gente, más que en la maquinaria. "

Gata con botas

2006-02-26T11:17:00.001+01:00

Copas nocturnas y sed sonora,
la gata con botas, Chan Marshall, lo quema.
Como le dijeron a Sam, tócala otra vez,
tócala otra vez Chan. Echémonos a fumar,
hablar y beber, sobre la cama. Hasta ahora no
había conocido chica más cálida que tú, ni tampoco
tan fría como tú. Señorita, usted me quiebra con
su voz y su actitud. Voy a recoger los pedazos.

The Designer´s Republic

2006-02-25T20:24:00.000+01:00

The Designers Republic es una compañía de creatividad, new media y diseño con 18 años de experiencia. El estudio cuenta con clientes de marcas como Warp, Nokia, Nike, Sony e Issey Miyake, y en él, se trabajan desde impresos de música hasta films y videos experimentales, y desde diseños de web premiados hasta identidades de canales de TV, la influencia de este estudio en el estilo del diseño gráfico global ha crecido notablemente en los últimos años. También conocidos por su Peoples Bureau For Consumer Information tienda on-line de estilo de vida. The Designers Republic han supuesto un antes y un despues en la vanguardia del diseño gráfico. Ellos han sido los responsables de algunas de las portadas más importantes de discos en la decada de los 90, siempre para grupos muy relacionados con la música electrónica. Su estilo, inconfundible, los convierten en un claro referente dentro del diseño más arriesgado y moderno.

Stefan Sagmeister

2006-02-25T16:39:00.000+01:00

Ver video de Stefan Sagmeister

Stefan Sagmeister fundó Sagmeister, Inc. en 1993 en Nueva York y desde entonces ha diseñado gráficos y packaging para los Rolling Stones, Talking Heads o Lou Reed.

Ha sido nominado cinco veces a los premios Grammy y finalmente ganó uno por el set-box de Talking Heads. En 2001 el monográfico sobre su trabajo Sagmeister: Made You Look, se convirtió en un Best-seller.

Sagmeister ha procurado siempre mantener su estudio pequeño (actualmente él, Matthias Ernstberg y un interno). Ha dado conferencias en todos los continentes.

David Carson

2006-02-25T15:58:00.000+01:00

Sociólogo nacido en Texas en 1956. Sus trabajos más famosos resultaron de la dirección artística que realizó para las revistas Transworld Skate Boarding (1983-1987), Musician (1988), Beach Culture (1989-1991), Surfer (1991-1992), Raygun, los primeros treinta números (1992). In 1993 funda GarageFonts digital typefoundry como vehículo para distribuir las fuentes usadas en Raygun Magazine.

Carson siempre ha sido considerado como polémico y radical, cosa que a él le divierte e incluso debe abrazar con satisfacción, porque es digamos su valor diferencial, entre tantos otros. Para Carson el arte también es una forma de comunicar, por ello sus diseños en ocasiones ilegibles parecen acercarse más a la experimentación artística que al diseño ortodoxo. Carson considera que un buen diseño es aquel que emociona al receptor, por ello sus trabajos resultan más intuitivos que racionales. Carson altera, disecciona, construye y deconstruye con la tipografía, genera "ricos espacios tipográficos". Sus composiciones tipográficas llegan a resultar verdaderamente "musicales".

El Lissitzky

2006-02-24T23:50:00.001+01:00

Lazar Markovich Lissitzky
(Smolensko 1890 - Moscú 1941)

La figura de Lissitzky influyó de manera determinante en la historia del diseño gráfico, aunque también sea conocido como pintor, arquitecto y fotógrafo. Lissitzky fue quien mejor llevó a cabo el ideal constructivista, que según Aleksei Gan, se basaba en tres principios: la arquitectura, la textura y la construcción. La arquitectura representaba la unificación de la ideología comunista con la forma visual. La textura significaba la naturaleza de los materiales y cómo son empleados en la producción industrial. Y la construcción simboliza el proceso creativo y la búsqueda de leyes de organización visual.

Lissitzky fue invitado en 1919 por Marc Chagall, director en aquel entonces de la Escuela de Arte en Vitebsk, a unirse al profesorado. Allí conocería a Kasimir Malevich quien sería de una importante influencia para él. Mediante diseños experimentales, desarrolló un estilo de pintura que denominó PROUNS ("proyectos para el establecimiento - afirmación - de un arte nuevo") PROUNS introdujo ilusiones tridimensionales a través del empleo de formas con cierto efecto arquitectónico. Lissitzky llamaba PROUNS a "un estado de intercambio entre la pintura y la arquitectura". Desde 1922 hasta 1931, El Lissitzky se trasladó a Europa occidental para difundir las ideas de la vanguardia rusa. En Berlín, conoció a Theo van Doesburg y otros miembros del grupo De Stijl, y desde entonces se convirtió en un personaje influyente del movimiento abstraccionista. En sus últimos años de vida, se planteó la necesidad de realizar una misión social, por lo cual se comprometió personalmente con la Unión Soviética a destinar su potencial artístico a la propaganda del estado soviético hasta el día de su muerte.

El Lisstzky estableció una pauta de excelencia para el diseñador. El inicio del fotomontaje en Rusia coincidió con el descubrimiento del montaje en la película cinematográfica y compartió parte de su vocabulario. Mostrar acciones simultáneas; sobreponer imágenes; usar acercamientos extremos e imágenes en perspectiva, a menudo juntos; y la repetición rítmica de una imagen constituyeron algunas de las técnicas comunes a ambos lenguajes.